Les sorties DVD/Blu-Ray du mois de Mars 2015 - Cinéma

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• Mis en ligne le 14 Mar 2015 21:51

Sébastien Nicolas (Mathieu Kassovitz) gagne sa vie en tant que modeste agent immobilier. En dehors de sa vie professionnelle, il vit reclus sur lui-même. Pour essayer de donner des couleurs à son existence, il passe son temps de libre à suivre des inconnus pour mieux s’imprégner de leur univers, et ce, avant d’usurper leur identité en se grimant. Mais, le destin va lui jouer un bien mauvais tour lorsqu’il va croiser un violoniste à la renommée mondiale qui répond en tout point à son idéal de vie. Ne boudant pas son plaisir, il va alors voler cette vie dont il a toujours rêvé. Galvanisé par l’expérience, Sébastien va totalement se laisser dépasser par les évènements et se retrouver au cœur d’un engrenage qui va complètement le dépasser. Tel un caméléon, il va prendre des risques inconsidérés pour devenir celui qu’il aurait aimé être, allant même jusqu’à sacrifier sa vie voire celle des autres...
Après le succès public et critique du film Le Prénom qu’il a coréalisé avec son acolyte Alexandre de la Patellière, Matthieu Delaporte troque la comédie pour le thriller. Motivée à l’origine par une réflexion de ses auteurs autour de l’identité, l’intrigue du long métrage a tout de suite emballé le public, et ce malgré quelques critiques acerbes. En outre, ce que tout le monde devait considérer comme un simple thriller s’est avéré être une chronique touchante et pleine d’interrogations sur la quête identitaire. Dans un monde où la conformité et l’apparence l’emportent sur la passion, Un illustre inconnu propose une vision étonnante sur le devenir de notre société moderne. Que dire de plus sur cette œuvre quasi inclassable, si ce n’est que le talentueux Mathieu Kassovitz crève une nouvelle fois l’écran dans la peau d’illustres inconnus ! Entre empathie et indifférence, votre cœur balancera, tant et si bien que vous finirez par vous demander qui est le plus à plaindre...

Serge Renart (Kad Merad), incorrigible journaliste télévisé has-been, et Natacha Bison (Alice Taglioni), imprévisible reporter de guerre mise au placard et jugée trop dangereuse par ses collègues, se retrouvent contraints d’enquêter ensemble sur une sombre affaire historique qui les conduira en Thaïlande à la recherche d’un des secrets les mieux gardés de l’Histoire de l’humanité. À savoir : que s’est-il vraiment passé pendant la retransmission télévisuelle des premiers pas de l’Homme sur la Lune ? À vous de le découvrir en procurant la vidéo de On a marché sur Bangkok !
Comme vous pouvez vous en douter, cette comédie d’aventure ne fait pas dans la dentelle ! Mais, loin d’être un simple film à sketches, elle développe une vraie intrigue - n’en déplaise à certains ! – et s’avère suffisamment riche pour tenir les spectateurs en haleine, tout en servant de toile de fond à une succession de gags hilarants et de jeux de mots ineptes qui tombent toujours au poil. Certes, certaines mauvaises langues diront que le scénario est indigent et que tout cela ne vole pas très haut, mais ne les écoutez pas, car c’est avant tout une œuvre qui ne se prend pas la tête. Alors, si vous faites partie de ceux qui esquissent un sourire rien qu’en entendant le nom de Merad, courez de ce pas vous procurer le DVD (ou Blu-ray) de cette bouffonnerie cinématographique qui vous fera passer un agréable moment en famille ou entre amis.
À noter que, comme souvent dans ce genre de films, On a marché sur Bangkok est ponctué d’apparitions de vedettes. Vous y croiserez notamment Gérard Jugnot, Peter Coyotte ou encore son réalisateur Olivier Baroux (de Kad & Olivier), pour ne citer que les plus connus !

Nick Brady (Josh Hutcherson) pense être un privilégié depuis qu’il a accepté de rejoindre son frère en Colombie. Pour le jeune surfer canadien, son séjour exotique, conjuguant lagon paradisiaque avec plage d’ivoire, se transforme en vie rêvée. Cerise sur le gâteau, il fait la rencontre d’une certaine Maria (Claudia Traisac), une sculpturale Colombienne dont il tombe éperdument amoureux. Alors que nos tourtereaux roucoulent tendrement, Maria présente son fiancé à son oncle : un certain Pablo Escobar magnifiquement incarné par Benicio Del Toro.
En vogue depuis quelques années, les films biographiques abondent sur la grande toile et Benicio Del Toro semble y avoir pris goût ! Après avoir magistralement campé Ernesto Guevara dans Che en 2008 (rôle pour lequel il est récompensé par le prix d’interprétation masculine du Festival de Cannes après avoir obtenu l’Oscar du meilleur acteur dans un second rôle pour Traffic en 2000), l’acteur reprend du service sous les traits de Pablo Emilio Escobar Gaviria, l’un des principaux barons de la drogue des années 80 à la tête du cartel de Medellín.
Plutôt que de raconter sagement Pablo Escobar, Andrea Di Stefano fantasme le mythe, mélange vérités et illusions, transcende la réalité pour mieux souligner les avidités et les craintes d’un être hors du commun. Bien plus qu’un simple biopic, Paradise Lost peut se targuer d’être un premier long métrage ambitieux, ou plutôt un thriller romantique qui commence comme une véritable histoire d’amour et se termine en véritable chasse à l’homme pour Josh Hutcherson, un jeune acteur révélé dans le rôle de Peeta Mellark dans la saga Hunger Games. Et pour rendre compte visuellement de la complexité de cette personnalité aussi subversive qu’iconique, le cinéaste a effectué un véritable travail d’enquêteur qu’il retranscrit comme un voyage intérieur dans Paradise Lost.

Durant les années 80, Stéphanie (Doria Achour) passe toute son enfance à La Courneuve auprès d’une mère absente (Aure Atika) et d’un beau-père violent (Marc Lavoine). Ne supportant plus son existence grisâtre, l’adolescente décide de prendre le taureau par les cornes. Pour sortir de son quotidien morose, elle essaie tant bien que mal de garder le sourire en profitant de chaque moment agréable de la vie dans cette cité colorée où l’amitié est primordiale. Un jour, elle le sait, Stéphanie quittera son nid pour voler de ses propres ailes vers de nouveaux horizons plus lumineux… mais il lui faudra faire preuve de patience et, surtout, surmonter un chemin pavé d’embûches.
Nul doute que certains s’exclameront : « Encore un film français où il ne se passe rien ! » après avoir visionné le film. Certes, le rythme s’avère lent et souffre de quelques longueurs, mais force est de reconnaître que la réalisatrice/scénariste Sylvie Ohayon n’a pas choisi la facilité pour son premier long-métrage, en optant pour une galerie de personnages originaux dont certains parviennent allègrement à s’abstraire du présent ! Comprenez par là qu’ils circulent devant la caméra, comme le feraient des comédiens sur une scène de théâtre, sans être vraiment concernés par le monde qui les entoure. Malgré tout, Papa was not a Rolling Stone s’en tire à merveille grâce à une mise en scène discrète qui sert le propos d’une jeune femme quelque peu désabusée par la vie, mais aspirant à maîtriser son destin. En outre, le ton introspectif de la narration se marie parfaitement avec l’univers des années 80 dans lequel situations misérabilistes et non-dits se succèdent pour mieux cristalliser un climat de détresse sociale quelque peu oppressant. Le réalisme des scènes et la trame visuelle engagée permettent aux spectateurs de se glisser aisément dans la psychologie des personnages comme s’ils étaient des historiens de leur présent.

Depuis la mort tragique de l’élue de son cœur, John Wick (Keanu Reeves) tente de panser cette plaie béante laissée au plus profond de son être, en passant le plus clair de son temps à retaper sa Ford Mustang de 1969, avec pour seule et unique compagnie son plus fidèle compagnon, sa chienne Daisy. Reclus dans sa propriété où il se sent en sécurité et coupé du reste du monde, il essaie tant bien que mal de se reconstruire. Mais, c’était sans compter la curiosité maladive d’un scélérat particulièrement sadique nommé Iosef Tarasof (Alfie Allen) qui va jeter son dévolu sur sa voiture de collection. Comme il fallait s’y attendre, John refuse catégoriquement de la lui vendre, mais Iosef ne supporte pas qu’on lui résiste et va alors s’introduire chez lui pour la lui voler, et tuer sauvagement Daisy. N’écoutant que sa soif de vengeance, John remonte la trace du malfrat jusqu’à New York, où un ancien contact, Aurelio (John Leguizamo) lui confie que le tueur de sa chienne n’est ni plus ni moins que le fils unique d’un grand baron de la pègre, Viggo Tarasof (Michael Nyqvist). La rumeur se répand que le légendaire Wick veut se faire justice. Pour sauver la peau de sa progéniture, Viggo va lors mettre à prix la tête de John : quiconque parviendra à lui faire mordre la poussière sera gracieusement dédommagé. Désormais traqué comme une bête dans les rues de la « Grande Pomme », notre héros va devoir redoubler de patience, mais aussi d’ingéniosité, pour échapper à ses poursuivants, tout en menant à bien la mission qu’il s’est dévolu…
En tissant son histoire autour d’un postulat profondément humain sur l’un des rares tueurs à gages à avoir réussi à quitter cet univers trouble sans y perdre la vie, et qui se retrouve malgré lui rattrapé par son sombre passé, John Wick premier du nom (une suite est d’ores et déjà en préparation et prévue pour 2016) peut se targuer d’être un film noir dans la plus pure tradition du genre. Pour ce faire, le scénariste Derek Kolstad s’est fidèlement inspiré de ses polars préférés : les scènes d’action s’enchaînent, violentes et minutieusement chorégraphiées, le sang coule et l’intrigue est ponctuée d’humour noir indispensable pour la décompression du spectateur. En outre, Keanu Reeves nous propose une interprétation irréprochable. Grâce à son talent indéniable, l’acteur insuffle une dimension indubitablement plus humaine et à la fois plus obscure à ce genre d’antihéros.

Au terme du précédent volet Hunger Games - L’embrasement, nous avions laissé la courageuse Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) dans les sombres et profonds souterrains du District 13, et ce, après avoir détruit à jamais l’arène. Les Jeux ont disparu pour de bon, mais le combat pour la survie est loin d’être fini ! Quant au District 12, il n’est désormais plus qu’un champ de ruines, et son tendre Peeta Mellark (Josh Hutcherson) est retenu prisonnier par le Président Snow (Donald Sutherland) qui prend un malin plaisir à le manipuler pour mieux l’endoctriner. Sous les ordres de la Présidente Alma Coin (Julianne Moore), et suivant les conseils de ses amis les plus proches qui ne l’ont jamais lâchée, Katniss mobilise toute sa hargne et son courage pour affronter le tout-puissant Capitole. Déterminée à embrasser sa destinée, elle devient la figure de proue de la rébellion sous l’œil d’une nation pleine d’espoir. Pour mener à bien cette mission ô combien périlleuse, elle va devoir se battre pour sauver la vie de Peeta et rendre son autonomie au pays tout entier, qui semble avoir trouvé en elle le symbole du Geai Moqueur et d’une liberté, peut-être, recouvrée…
En réponse aux deux premiers opus cinématographiques qui ont cartonné au box-office, le cinéaste Francis Lawrence nous plonge une nouvelle fois dans l’univers poignant de Panem, mais avec un ton nettement plus introspectif. S’inspirant toujours de la trilogie au succès planétaire écrite par Suzanne Collins, Hunger Games - La révolte partie 1 marque un tournant radical non seulement dans la franchise, mais aussi dans la transformation de son héroïne. En proie aux doutes et à une période charnière de son existence, Katniss n’aura pas le temps de se reposer : la menace de l’oppression est loin d’être éradiquée… bien au contraire… elle rôde et menace à chaque instant de parachever son œuvre.

À la fin des années 80, Gary Webb (Jeremy Renner) et sa famille s’installent en Californie. Journaliste aguerri, Gary est engagé par le San Jose Mercury News. Un poste qui lui permet d’accéder à la notoriété en 1990, lorsqu’il remporte le fameux Prix Pulitzer avec cinq autres de ses collègues pour sa participation au reportage collectif sur le tremblement de terre de Loma Pieta. À l’été 1995, il fait une rencontre déterminante qui va bouleverser son existence. Après des semaines d’investigation, il met en lumière ce qu’il baptise la « Dark Alliance » dans ses articles, soit un lien très étroit entre les services secrets américains et les cartels d’Amérique Centrale. Pour faire exploser la vérité, il prend tous les risques et se rend au Nicaragua afin de soutirer des informations primordiales au baron de la drogue Norwin Meneses (Andy Garcia). Et ce qu’il obtient dépasse tout entendement : les rebelles opposés au gouvernement sandiniste du Nicaragua travailleraient directement avec la CIA pour introduire de la cocaïne sur le sol américain. Pire encore, cet argent sale servirait à armer les milices des Contras soutenues dans l’ombre par le gouvernement des USA. L’Amérique est alors sous le choc d’une telle révélation et, alors que le journaliste se retrouve au cœur d’un complot politico-médiatique visant à le décrédibiliser, une autre vérité se profile et menace d’éclabousser le Président en personne. Une erreur dont l’Amérique continue d’en payer le prix fort aujourd’hui…
On le sait, les Américains raffolent de ces destins hors du commun de personnes engagées qui s’en sortent à force de ténacité. Le réalisateur Michael Cuesta tente ici de faire triompher la justice en nous racontant le combat impressionnant d’un homme qui s’est battu pour faire éclater une vérité pas très bonne à dire face un pouvoir qui pouvait le broyer. Mais, loin du biopic classique, Secret d’état est avant tout un thriller politique authentique qui se révèle plus que jamais d’actualité à notre époque ! Le film en profite également pour esquisser le portrait d’un homme vulnérable, avec ses zones d’ombre et son côté utopique, mais ayant foi en sa vocation et mettant un point d’honneur à dénoncer ce qui devait l’être. Un journaliste dédié et dévoué à son travail.

Il était une fois un prince égoïste et pour le moins égocentrique qui refuse l’hospitalité à une veille miséreuse, sans se douter qu’il s’agit en réalité d’une fée, et celle qui lui rendra la monnaie de sa pièce en le transformant en une bête hideuse. Pour rompre la malédiction, le damné doit épouser une jeune fille qui doit l’aimer pour ce qu’il est, ce qui paraît singulièrement compromis. Or, à quelques lieux de là vit une charmante demoiselle répondant au doux nom de Belle qui coule des jours paisibles en s’occupant de son père qu’elle chérit plus que tout au monde. Passionnée de lecture et particulièrement mature pour son âge, elle prend un malin plaisir à éconduire un certain Gaston, le Don Juan à la petite semaine local, lui refusant ainsi d’afficher une conquête de plus à son tableau de chasse déjà bien garni. Mais voilà que son père s’égare dans la forêt et se réfugie dans un bien étrange château habité par la Bête, qui le fait prisonnier. Aussitôt informée, Belle vole à sa rescousse et fait un pacte avec la Bête : en échangeant sa place avec celle de son paternel, elle lui permet ainsi de retrouver sa liberté, mais se retrouve à son tour emprisonnée auprès d’un bien étrange prince qui, malgré son apparence effrayante et son côté bourru, finira par bouleverser son cœur…
Pour notre plus grand plaisir, Disney réédite le conte inoubliable à l’eau de rose de La Belle et la Bête dans une version haute définition et intégrale qui comblera petits et grands. Et que dire des plus grands fans de Céline Dion, si ce n’est qu’ils seront également à la fête en se repassant en boucle la bande originale de ce pur chef-d’œuvre de l’animation. À supposer que vous soyez férus de la diva, bien sûr !

L’intrigue du film germe au milieu du XXe siècle, à Tama Kyuryou, à l’ouest de Tokyo. À cette époque encore d’insouciance, les Tanukis, petites créatures frivoles qui coulent des jours paisibles, vivent en communauté avec les paysans ; jusqu’au jour fatidique où le gouvernement lance la construction de la ville nouvelle de Tama. Pour mener à bien leur nouveau projet, les promoteurs commencent à détruire fermes et forêts. Face à l’expansionnisme grandissant des hommes et un habitat de plus en plus restreint, les Tanukis jadis pacifistes sont contraints de se faire la guerre, l’enjeu étant de conserver son bout de territoire. Efforts et espoirs vains, car la forêt continue de perdre du terrain. Ne supportant plus d’être expropriés, les Tanukis décident de réagir et échafaudent alors une riposte pour le moins farfelue visant à puiser dans les peurs et superstitions des humains pour mieux les contrôler…
Primé par le Grand prix du Long Métrage au Festival international du film d’animation d’Annecy en 1995, Pompoko est avant tout un conte philosophique sur ces petits animaux de la famille des canidés que l’on retrouve principalement en Chine, en Corée et au Japon, et qui font intégralement partie du folklore japonais. Selon la légende, le Tanuki appartient aux sept divinités de la bonne fortune et est capable de se changer à volonté et de modeler les objets environnants selon ses désirs. « Pompoko » est le son qu’il produit lorsqu’il joue du tambour sur son ventre rond, en signe de prospérité. Réalisé par Isao Takahata, compagnon de longue date de Hayao Miyazaki, le film d’animation nous renvoie aux plans de construction de villes nouvelles qui se sont multipliées dans les années 60 au Japon, détruisant au passage de nombreux habitats naturels et menaçant l’équilibre écologique. Sorti en juillet 1994 au pays du soleil levant, Pompoko a pulvérisé des records au box-office, devenant ainsi le plus gros succès des studios Ghibli sur la péninsule nippone. Il a depuis été détrôné par Princesse Mononoké (1997), et Le voyage de Chihiro (2001), tous deux réalisés par senseï Miyazaki. Et pour lui rendre hommage comme il se doit, Ghibli ressort en haute définition cette œuvre magistrale de l’autre pilier des désormais célèbres studios nippons. Et comme diraient les Tanukis : « Pompoko » !

Haru, une collégienne quelque peu farfelue, sauve par hasard un chat d’un accident de la circulation. À peine aura-t-elle le temps de se remettre de ses émotions qu’elle apprend de la bouche du félin qu’il n’est autre que le fils du puissant roi des chats. Dès lors, son existence va basculer : la jeune fille insouciante va devoir faire face à son destin, mais trois personnages hauts en couleur (le dandy Chat Baron, le gros matou errant Mouta et l’espiègle corbeau Toto) vont venir l’épauler dans sa périlleuse ascension.
Si Disney bénéficie du quasi-monopole de l’animation en Occident, c’est loin d’être le cas en Asie, où le dieu de dessin animé répond au nom de Hayaoh Miyasaki. Et, même s’il n’est pas le réalisateur du Royaume des chats, le maître de l’animation nippone a joué un rôle prépondérant dans le projet, qui reprend certains thèmes ainsi que le style reconnaissable du senseï. C’est en effet lui qui, après le succès populaire et critique du Voyage de Chihiro, a décidé de lancer au sein des studios Ghibli un nouveau film d’aventures mettant en scène une jeune fille. Et pour esquisser les traits de la pétillante Haru, il a fait appel à Aoi Hiiragi, auteur de la bande dessinée Si tu tends l’oreille que Miyazaki a adapté en 1985, avec l’idée de produire un court métrage. C’est finalement à Hiroyuki Morita qu’incombe la délicate tâche d’adapter la nouvelle B.D au format long. Force est de reconnaître que cet habitué des studios Ghibli s’en tire à merveille en respectant scrupuleusement la patte de maître Miyasaki. Jugé mineur, voire enfantin pour certains, Le royaume des chats est un voyage poétique, dont l’intrigue ne manque pas d’humour et reprenant le thème traditionnel de la dette très présente dans la tradition japonaise. Un film d’animation au poil en somme… voire carrément miaou miaou !